Archive for the ‘Art’ Category

Posted: April 15, 2012 in Art, Ciber

Neil Harbisson

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ABOUT Neil Harbisson (27 July 1982) is a British-Catalan cyborg artist, musician and performer best known for his self-extended ability to hear colors. In 2004 he became the first person in the World to be fitted with an eyeborg and to be officially recognized as a cyborg by a government. Color and the use of technology as an extension of the performer’s body and senses are the central themes in Harbisson’s work. Neil Harbisson was born with achromatopsia, a condition that only allows him to see in black and white. He grew up in Mataró, Spain, where he studied music, dance and drama at various schools and began to compose piano pieces at the age of eleven. At the age of sixteen he started studying fine art at Institut Alexandre Satorras, where he was given special permission to use only black, white and gray colors in his works. Harbisson early works are all in black and white. Harbisson moved to Ireland in September 2001 to finish his piano studies at Dublin’s “Walton’s New School of Music”. In 2002 he moved to England to study Music Composition at Dartington College of Arts. THE EYEBORG In October 2003 in his second year at Dartington College of Arts, Harbisson attended a lecture on cybernetics, particularly on sensory extensions, given by Adam Montandon. Neil found this of immense interest and at the end of the lecture he went up to Adam to explain his condition. The eyeborg works with a head mounted camera that picks up the colors directly in front of a person, and converts them in real-time into sound waves. Neil memorised the frequencies related to each colour: high frequency hues are high-pitched, while low frequency hues sound bolder. In Vienna, they co-presented their eyeborg project, one of more than 400 entries from 29 different countries, and won the Europrix Award in Content Tools and Interface Design (2004), as well as the Innovation Award (Submerge, Bristol 2004). In 2007, while hitch-hiking around Europe, Harbisson met Peter Kese in Ljubljana, a software developer from Kranj, Slovenia. Kese offered to develop the eyeborg even further so that Harbisson could perceive color saturation and not only color hues. After a few weeks he had developed a new eyeborg model that allowed Harbisson to perceive up to 360 different hues through microtones and saturation through different volume levels. In 2010 Matias Lizana, a student from Universitat Politècnica de Catalunya developed the eyeborg into a smaller chip as part of his final year project. CYBORG PASSPORT In 2004, Harbisson was not allowed to renew his UK passport because his passport photo was rejected. The passport office would not allow Harbisson to appear with electronic equipment on his head. Harbisson wrote back to them insisting that the eyeborg should be considered part of his body as he had become a cyborg. Letters from his doctor, friends and his college were sent to the passport office to give him support. After weeks of correspondence Harbisson’s prosthetic device was included as confirmation of his permanent and embedded cyborg status. SONOCHROMATOPSIA / SONOCHROMATISM Harbisson uses the term sonochromatism or sonochromatopsia [sono-(Latin: sound) + chromat- (Greek: color)+ -opsia (Greek: visual condition)] to define his new condition. He explains that achromatopsia can no longer define his condition because achromatopsics can not perceive nor distinguish colors. He also explains that synesthesia does not define his condition accurately because the relation between color and sound varies depending on each person, whereas sonochromatopsia is an extra sense that relates color to sound objectively and equally to everyone. ART Before the eyeborg entered his life his works were all in black and white, the medium often charcoal. The eyeborg opened up a new palette of brightly coloured paints. Harbisson’s first showcase of color paintings was at the Port Eliot Festival in 2004. Followed by other showcases at the Bankside Gallery, Submerge Festival (Bristol), Ignition Showcase (Penzance), Museumsquartier (Vienna) and at the Royal College of Art Gallery (London). In 2007 Harbisson started hitch-hiking around Europe to find the main colors of capital cities, visiting more than 50 countries as well as travelling around Britain. He scanned each capital until he was able represent each city with two main hues. In Monaco, it was azure and salmon pink; in Bratislava it was yellow and turquoise; and in Andorra it was dark green and fuchsia. Under the title Capital Colors of Europe Harbisson has exhibited the colours of each capital in several European galleriesincluding Spain, Andorra, UK, and Croatia. The eyeborg not only allows him to perceive and paint in color but it also means that everyday sounds, such as ring tones or music, become associated with colours. Color Scores are a series of paintings where Harbisson transforms into color the first 100 notes of well-known musical pieces. Sound Portraits are portraits of people that Harbisson creates by listening to the colors of faces. Each face creates a different micro tone chord depending on its colours. In order to create a sound portrait he needs to stand in front of the person and point his eyeborg at the different parts of the face, he then writes down the different notes on a special 360 lined manuscript paper. He explains that photographs can not be used to create these portraits as colors are not the same on pictures than live. Since 2005 he has created sound portaits of Prince Charles, Antoni Tàpies, Leonardo di Caprio and Woody Allen among others. MUSIC The piano has been Neil’s instrument since he was a small child. He gravitated towards it quite naturally, since he hated even the existence of color. It was a black and white instrument, perfect for me. It was inevitable that his first performed composition as a cyborg was a marriage of paint and music. In Piano Concerto No. 1, first performed at Dartington College of Arts in 2004, Neil literally painted a Steinway & Sons piano, using the color frequencies to produce notes. With his next composition, the Pianoborg Concerto, Neil wanted to demonstrate to an audience exactly how he used the eyeborg. The piano was ‘prepared’, by attaching a computer to the underside, the sensor of the eyeborg being positioned above the keys. When a color was shown to the sensor, the computer picked up the frequency and relayed this to the piano, which then played the corresponding note. Neil said The piano was playing the pianist, which is what I wanted to achieve’. Harbisson’s first color to voice performances were in collaboration with Icelandic singer and Amiina violinist María Huld Markan Sigfúsdóttir (wife of Sigur Rós keyboardist Kjartan Sveinsson), in their performances María used a computer and a microphone to sing the microtonal color frequencies that Harbisson used while creating live paintings on stage. Their first performances were in 2004 at Ariel Centre (Totnes, UK) and at Plymouth Guildhall (UK) in 2005. Since 2008 Harbisson has been collaborating and performing with Catalan artist and musician Pau Riba with whom he shares the same interest in cyborgs. They first performed in 2008 at Sala Luz de Gas (Barcelona), followed by other performances in Barcelona, Girona and Mataró. One of their recent projects is Avigram (Avi- Latin: bird, -gram Greek: something written, drawn or recorded) a structure of 12 strings, one string for each semitone in an octave, installed on a roof of a farm. The installation is being recorded 24 hours a day and a melody is being created depending on which strings birds decide to rest on.

Art Fair Tokio

Posted: April 15, 2012 in Art, Japon, Preformance
We are pleased to announce that ART FAIR TOKYO 2012 will be held over in the coming cherry blossom season, and that for the second consecutive year we welcome Deutsche Bank Group as the Main Sponsor. The fair will present artworks from a range of genres and periods, including antiques, crafts, nihonga, modern art and the latest contemporary art as always, and will feature a total of the more than 160 participating galleries and cooperating partners from Japan and overseas.

This year, ART FAIR TOKYO 2012 is expanding our venue, taking up all of the Tokyo International Forum Exhibition Hall aiming for further development with fascinating programs and related-events. Launched in 2011 as an experimental exhibition, “Artistic Practices” becomes a special section this year retracing Japanese art history with high-quality works ranging from antiques to contemporary art and projects.

Having our international vision of “Tokyo as a city within Asia”, we proudly launch “Discover Asia” – a new section where prominent galleries from Asian major cities, such as Seoul, Taipei, and Beijing, participate at ART FAIR TOKYO 2012 along with museums and Japanese galleries that have been receiving an international acclaim.

In addition, as the “PROJECTS” section is setting up within the Exhibition Hall this year, the section not only features the usual participations of international young galleries, but has a new section, “project in PROJECTS”, which dynamically presents the large-scale works of the latest Asia-Pacific art going beyond the confines of a regular booth.

Through the course of the event, ART FAIR TOKYO 2012 hosts many original programs and new related-events in collaboration with the other creative industries, such as “food” and “fashion”.

It is our hope that all of you enjoy a unique experience to discover the joys of “purchasing art”.


ART FAIR TOKYO 2012 Overview

Event Title ART FAIR TOKYO 2012
Dates and Hours Friday, March 30    11:00am-9:00pm
Saturday, March 31    11:00am-8:00pm
Sunday, April 1     10:30am-5:00pm
*The hour of the last admission is 30 mins before the closing.
First Choice
(special preview)
*Invitees only
Thursday, March 29
Venues Tokyo International Forum, B2F Exhibition Hall
(5-1 Marunouchi 3-chome, Chiyoda-ku,Tokyo 100-0005 Japan)

Organizer ART FAIR TOKYO Committee
Management ART FAIR TOKYO Co., Ltd.
Main Sponsor Deutsche Bank Group
In Collaboration with Ministry of Foreign Affairs of Japan / Ministry of Economy, Trade and Industry / Japanese Red Cross Society / Embassy of the Federal Republic of Germany /Australian Embassy, Tokyo / British Council /Ambassade de France au Japon / Italian Cultural Institute of Tokyo / Korean Cultural Center, Embassy of Korea in Japan / Embassy of the Russian Federation in Japan/Economic and Commercial Office, Embassy of Spain /Embassy of the United States of America in Japan
Inquiry 1-9-11, Nishiazabu, Minato-ku, Tokyo 106-0031, JAPAN
TEL: +81-3-5771-4520
FAX: +81-3-3401-8038

Past Editions

Date: July 28 – July 31, 2011
Venue I: Tokyo International Forum, B2F Exhibition Hall
Venue II “PROJECTS”: Tokyo International Forum, Lobby Gallery 1, 2
Exhibitors: 133 galleries (including 10 cities from overseas)


Date: April 1 – Apri 4, 2010
Venue : Tokyo International Forum, B2F Exhibition Hall
Venue II “PROJECTS”: Tokyo International Forum, Lobby Gallery 1, 2
Exhibitors: 138 galleries (including 9 cities from overseas)

To watch the video>>


Date: April 2 – April 5, 2009
Venue I (@FORUM): Tokyo International Forum B2
Exhibitors: 143 galleries (including 13 cities from overseas)


Date: April 3 – April 6, 2008
Venue: Tokyo International Forum B2
Exhibitors: 108 galleries (including 6 cities from overseas)


Date: April 9 – April 12, 2007
Venue: Tokyo International Forum B2
Exhibitors: 98 galleries (including 5 cities from overseas)


Date: August 5 – August 8, 2005
Venue: Tokyo International Forum B2
Exhibitors: 83 galleries (including 7 cities from overseas)

Las ventas del grafitero Banksy

Posted: April 15, 2012 in Art, Preformance

“Leopard and Barcode”.

Arte (web)

Seis de las obras más icónicas del grafitero británico se vendieron por un total de 496.620 dólares en una subasta dedicada al arte callejero en la casa Bonhams de Londres. Conozca las obras y los precios en los que fueron vendidas.

Por: EFE.
Publicado el: 2012-03-30

La obra más cotizada fue “Love is in the air”, protagonizada por un manifestante en posición de lanzar un ramo de flores como si fuera un coctel molotov, que fue vendida por 87.650 libras 139.765 dólares.

Esta ya icónica imagen del enigmático artista, cuya identidad muy pocos conocen, tenía un precio estimado de entre 63.783 y 95.677 dólares.


“Leopard and Barcode”, un lienzo donde aparece un leopardo que se ha escapado de una jaula representada como un código de barras, alcanzó durante la puja 120.633 dólares.

Otra de las piezas más célebres de la colección es el grafiti “Girl and balloon”, reproducido en miles de estampas y souvenirs londinenses, que se vendió por 116.806 dólares.


Por su parte “Bomb Hugger”, que representa a una niña abrazando una bomba, alcanzó los 78.530 dólares y “Happy Choppers”, donde aparecen unos helicópteros militares adornados con lazos, se vendió por 13.125 libras (20.930 dólares), lo que duplicó el precio estimado.

“Nola”, la imagen de una niña protegiéndose con un paraguas de la lluvia ácida, creada en 2008 por Banksy, fue subastada por 19.933 dólares.



El misterio que envuelve la figura de Banksy, así como el contundente mensaje de sus grafitis, que se han convertido en iconos anticapitalistas, han aumentado el interés y la cotización de sus obras que, paradójicamente, se han convertido en piezas de coleccionista.

“Ha sido un proceso natural. La gente veía sus grafitis en las calles y reconocía su sentido del humor y el importante mensaje que contenían. Entonces se empezaron a coleccionar y a subastarse porque la gente quería tener esas obras callejeras en sus casas”, dijo Gareth Williams, responsable de arte urbano de Bonhams, durante la presentación de la colección.

También se subastaron obras de otros artistas callejeros y diseñadores como el francés Blek le Rat, el británico D-Face o el estadounidense Shepard Fairey.


Posted: April 15, 2012 in Art, Medellin

Número 14 – Julio de 2010


Raul Trujillo

Exclusivo para UC desde Buenos Aires

Como una “pícara nena malcriada” Vero nos muestra sus calzones, diría la abuela. Calzones que ya no son repollos de boleros sino una pegatina rayada con un lisérgico ícono pop. El smile que se ríe de nosotros en semejante cola, impreso encima de un precioso globo parece levitar sobre este triste y aburrido mundo mientras su dueña, alta del piso, bailando salsa feliz y despreocupada va.

No es solo la actitud de niña, es también toda la lúdica y estética de muñeca lo que nos recuerda el mundo infantil. Observado por la psicología como una patología —a casi todos nos sentaría bien una dosis de esta enfermedad— a partir de los 80, el síndrome de Peter Pan tipificó a la generación post hipismo de la era consumista y que descubriría el new age. Siempre optimistas y felices, le ven el lado positivo a las cosas y prefieren vivir el día a día como un episodio más de su cartoon personal. Nunca crecer, nunca jamás dejar de ser niños, nunca dejar de usar la imaginación para volar y como en el caso de Tim Burton, ¡excitar!

Este ícono de la nueva industria cultural batió récord de taquilla diseminando su estética influenciada por el brithpop. Ya nada resulta extraño ni surreal después de ver El extraño mundo de Jack. Allí Jack, el rey del halloween, decide que le gusta más la navidad y produce toda una versión bizarra de las rojo y verde celebraciones de Noel. Es este tipo de mezcla inusual la que ahora fascina a jóvenes fanáticos y seguidores del anime que se lanzan a las calles cosplay en su juego de disfraz. Mucho gadget y merchandising, mucha chinocidad de plástico emotiva, divertida y barata que circula por las ciudades del planeta es el fundamento de este estilo. A tanto juguete súmele jóvenes dispuestos cual popstar a unas largas jornadas de prácticas y ensayos, entrenamiento y autoanálisis frente al espejo para dar esa seguridad que casi todos se permiten ante los demás.

No hay vergüenza en las calles y menos en el mundo virtual en el que la cibercultura puso de moda hacer espectáculo público la intimidad, y será tal vez por eso que gran parte de los chicos pasan el día como nuestros ancestros: espulgándose los piojos, acicalándose y posando para la cámara de su celular.! 

Neo-conceptual art

Posted: April 15, 2012 in Art, Preformance

John LeKayUntitled, 1991, ladder and wheelchair

Neo-conceptual art describes art practices in the 1980s and particularly 1990s to date that derive from the conceptual artmovement of the 1960s and 1970s. These subsequent initiatives have included the Moscow Conceptualists, United States neo-conceptualists such as Sherrie Levine and the Young British Artists, notably Damien Hirst and Tracey Emin in the United Kingdom, where there is also a Stuckism counter-movement and criticism from the 1970s conceptual art group Art and Language.




Many of the concerns of the “conceptual art” movement proper have been taken up by many contemporary artists since the initial wave of conceptual artists. While many of these artists may not term themselves “conceptual artists”, ideas such as anti-commodification, social and/or political critique, digital art, and ideas/information as medium continue to be aspects of contemporary art, especially among artists working with computer artinstallation artperformance and electronic art. Many critics and artists may speak of conceptual aspects of a given artist or art work, reflecting the enduring influence that many of the original conceptual artists have had on the art world.

The Moscow Conceptualists, in the 1970s and 80s, attempted to subvert socialist ideology using the strategies of conceptual art andappropriation art. The central figures were Ilya Kabakov and Komar and Melamid. The group also included Eric Bulatov and Viktor Pivovarov.

Notable U.S neo-conceptual artists of the 1980s include Jenny HolzerRichard PrinceLouise LawlerMark LombardiBarbara Kruger, and expatriate Briton, John LeKay who exhibited with Damien Hirst.[1]

The Young British Artists (YBAs), led by Damien Hirst, came to prominence in the 1990s and their work was described at the time as neo-conceptual[2], even though it relies very heavily on the art object to make its impact. The term is used in relation to them on the basis that the object is not the artwork, or is often a found object, which has not needed artistic skill in its production. Tracey Emin is seen as a leading YBA and a neo-conceptualist, even though she has denied that she is and has emphasised personal emotional expression. Charles Harrison, a member of the conceptual art group Art and Language in the 1970s, criticizes the neo-conceptual art of the 1990s as conceptual art “without threat or awkwardness”[3] and a “vacant” prospect.[4]

Other notable artists associated with neo-conceptualism in the UK include Martin CreedLiam GillickBethan HuwsSimon PattersonSimon Starling and Douglas Gordon.

[edit]Notable events

1991: Charles Saatchi funds Damien Hirst and the next year in the Saatchi Gallery exhibits his The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, a shark in formaldehyde in a vitrine.

1993: Vanessa Beecroft holds her first performance in Milan, Italy, using models to act as a second audience to the display of her diary of food.

1999: Tracey Emin is nominated for the Turner Prize. Part of her exhibit is My Bed, her dishevelled bed, surrounded by detritus such as condoms, blood-stained knickers, bottles and her bedroom slippers.

2001: Martin Creed wins the Turner Prize for The Lights Going On and Off, an empty room where the lights go on and off.[5]

2005: Simon Starling wins the Turner Prize for Shedboatshed, a wooden shed which he had turned into a boat, floated down the Rhine and turned back into a shed again.[6]

[edit]Controversy in the UK

In Britain, the rise to prominence of the Young British Artists (YBAs) after the 1988 Freeze show, curated by Damien Hirst, and subsequent promotion of the group by theSaatchi Gallery during the 1990s, generated a media backlash, where the phrases “conceptual art” and “neo-conceptual” came to be terms of derision applied to muchcontemporary art. This was amplified by the Turner Prize whose more extreme nominees (most notably Hirst and Emin) caused a controversy annually.[7]

Stuckists’ “Death of Conceptual Art” coffin demonstration, 2002

The Stuckist group of artists, founded in 1999, proclaimed themselves “pro-contemporary figurative painting with ideas and anti-conceptual art, mainly because of its lack of concepts.” They also called it pretentious, “unremarkable and boring” and on July 25, 2002 deposited a coffin outside the White Cube gallery, marked “The Death of Conceptual Art”.[8][9] They staged yearly demonstrations outside the Turner Prize.

In 2002, Ivan Massow, the Chairman of the Institute of Contemporary Arts branded conceptual art “pretentious, self-indulgent, craftless tat” and in “danger of disappearing up its own arse … led by cultural tsars such as the Tate‘s Sir Nicholas Serota.[10]Massow was consequently forced to resign. At the end of the year, the Culture Minister, Kim Howells (an art school graduate) denounced the Turner Prize as “cold, mechanical, conceptual bullshit”.[11]

In October 2004 the Saatchi Gallery told the media that “painting continues to be the most relevant and vital way that artists choose to communicate.”[12] Following this Charles Saatchi began to sell prominent works from his YBA collection.

[edit]Notes and references

  1. ^ Alberge, Dalya. “My old friend Damien stole my skull idea”The Times, 27 June 2007. Retrieved 10 December 2007.
  2. ^ Scott Lash and Celia Lury, Global Culture Industries: The Mediation of Things, Polity, 2007, p211. ISBN 0745624839
  3. ^ Charles Harrison, Essays on Art & Language, MIT Press, 2001, p29. ISBN 0262582414
  4. ^ Charles Harrison, Essays on Art & Language, MIT Press, 2001, p241. ISBN 0262582414
  5. ^ BBC Online
  6. ^ The Times
  7. ^ Turner prize history: Conceptual art Tate gallery Accessed August 8, 2006
  8. ^ “White Cube Demo 2002”, Retrieved 19 April 2008.
  9. ^ Cripps, Charlotte. “Visual arts: Saying knickers to Sir NicholasThe Independent, 7 September 2004. Retrieved from, 7 April 2008.
  10. ^ The Guardian
  11. ^ The Daily Telegraph
  12. ^ Reynolds, Nigel 2004 “Saatchi’s latest shock for the art world is – painting” The Daily Telegraph 10 February 2004. Accessed April 15, 2006

[edit]See also

El genio macabro

Posted: April 15, 2012 in Art, Preformance

Damien Hirst vendió en 8 millones de dólares el famoso tiburón conservado en formol, llamado ‘La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo’.

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EXPOSICIÓNAunque para muchos las obras de Damien Hirst son basura hecha arte, la galería más importante de Reino Unido lo invitó a exponer por primera vez una retrospectiva de sus 20 años de carrera.

Sábado 14 Abril 2012

El polémico Damien Hirst cuenta que cuando su mamá se enteró de que quería cubrir con 8.601 diamantes el cráneo de un marinero portugués del siglo XVIII, exclamó: “¡Por el amor de Dios!, ¿qué estás haciendo?” La frase le gustó tanto que una vez la joyería Bentley and Skinner, encargada de incrustar las piedras preciosas en la calavera, terminó la costosa pieza, Hirst decidió llamarla así: For the love of God. Esa facilidad para escandalizar, tanto a su mamá como a respetados críticos de arte, es el sello característico de este inglés, que no en vano ha sido llamado el Genio Hooligan.

Ya sea odiado o amado, Hirst se ha convertido en un ícono de la cultura británica y, por eso, la Tate Modern lo invitó a exponer una gran retrospectiva de su obra, lo que significa que por primera vez sus piezas más famosas estarán reunidas en un solo lugar. Lo paradójico es que hace unos años, recién empezaba su camino hacia el estrellato, aseguró en una entrevista que nunca aceptaría participar en esa prestigiosa galería de Londres. “De ningún modo. Los museos son para los muertos”, dijo entonces. Hoy, con 46 años, sigue siendo tan irreverente como cuando era el líder del movimiento Young British Artists de principios de los noventa, y además es un hábil hombre de negocios.

El niño terrible es considerado el artista más rico del mundo, con una fortuna estimada en 280 millones de dólares. Su nombre es una marca global gracias a que ha sabido desafiar con éxito las leyes del mercado del arte. En septiembre de 2008, en medio del desplome de la firma Lehman Brothers, inauguró una subasta con muestras inéditas y sin intermediarios -que cobran la mitad de las ganancias-, por lo que los 180 millones de dólares que recaudó fueron a parar directamente a su bolsillo.

Sin embargo, hay quienes piensan que sus animales conservados en acuarios llenos de formol, cuadros de mariposas disecadas, cabezas putrefactas, estantes con medicinas y pinturas de puntos no tienen ningún mérito. No solo lo acusan de plagio, sino de profanar el valor único e irrepetible del arte, pues cada vez que algún elemento de sus obras se daña no tiene problema en reemplazarlo por uno nuevo, como quien cambia una tuerca en una máquina. “Las piezas en formaldehído tienen una garantía de 200 años -se defendió en una entrevista con The Guardian-. Me gustaría que se vieran tan frescas como el día en que las hice, así que si después de vendidas el cristal se rompe, se repara; si el tanque se ensucia, se limpia, y si el tiburón se pudre, se busca otro”.

Ese desparpajo con el que Hirst se refiere a sus creaciones llevó al crítico y curador Julian Spalding a escribir Por qué vender sus Damien Hirst ahora que puede, un libro en el que define su trabajo como con-art o arte falso. “La gente vive engañada y cree que se valorizará en el futuro, pero tarde o temprano Hirst se quedará sin fundamentos, porque, al igual que las hipotecas subprime, sus obras son burbujas de humo y espejos”, dijo Spalding a SEMANA. A otros también les parece absurdo que sea tan exitoso comercialmente cuando ni siquiera se ensucia las manos. Al estilo de La fábrica de Andy Warhol, donde sus serigrafías eran producidas en serie, el británico suele contratar asistentes para que hagan la labor que le correspondería, pues para él lo importante es la idea, no quien la materializa.

Esa fórmula le ha dado resultado durante los últimos 20 años y, por lo pronto, no tiene planes de abandonarla. Espera inaugurar una galería propia para exhibir su colección privada en 2014 y seguir llenando sus arcas por cuenta de sus excentricidades. Así que lo más probable es que su madre vuelva a poner el grito en el cielo.


Luis Camnitzer junto a su obra ‘Migración’. “Soy un uruguayo en el exilio”, dice.

EXPOSICIÓNLa colección Daros de Latinoamérica y el Museo de Arte Moderno de la Universidad Nacional presentan hasta el 30 de junio una representativa muestra de Luis Camnitzer, uno de los más destacados artistas conceptuales.

Sábado 7 Abril 2012

Luis Camnitzer es reconocido como una de las figuras claves del arte conceptual en el mundo. ¿Arte conceptual? La palabra puede intimidar a más de uno. Pero solo hay que dejar a un lado las etiquetas y los prejuicios y acercarse desprevenidamente al Museo de Arte Moderno de la Universidad Nacional, un precioso lugar diseñado en 1973 por los arquitectos Alberto Estrada y Elsa Mahecha, ubicado cerca de la entrada a la Universidad por la calle 45. El maestro Camnitzer, un hombre afable y lúcido de 75 años, manifiesta su total complacencia con el sitio: “Estoy absolutamente maravillado porque hay un diálogo entre el espacio y la obra. Esta exposición ha estado en varios lugares, pero hasta ahora este me parece el mejor”. Y en realidad, se trata de la más completa muestra de su obra, que incluye 70 piezas en distintos medios y trabajos desde el año 1966 hasta la actualidad. La mayor parte de ellos pertenecen a la colección Daros Latinoamérica con sede en Zurich. Por cierto, su director, Hans-Michael Herzog, es el curador de la exposición junto con Katrin Steffen.

Una vez está a sus anchas en el cómodo espacio, el espectador inicia su recorrido, que va a tener mucho de humor e ironía además de reflexión. Camnitzer no cree en una relación convencional entre el artista y el espectador. Más aún, no cree ni en el artista, ni en el espectador, ni en el arte tal y como se conoce. Él piensa que el espectador participa activamente en la elaboración de la obra y que el artista es algo aleatorio, según puede verse en la obra Retrato del artista: un lápiz cuelga en posición horizontal frente a una pared y ‘dibuja’ empujado por el movimiento de un ventilador. O en Pintura bajo hipnosis, en la que Camnitzer también intenta crear una pintura sin artista. Allí se imagina que el lienzo, el pigmento, el pincel, el marco y la mano son miembros de un equipo que dirige la obra. Camnitzer acudió a un hipnotizador y le dio una lista con preguntas que él debía hacer a cada uno de ‘los integrantes del equipo’. Bajo hipnosis, Camnitzer se convirtió en cada uno de los ‘miembros’, respondió las preguntas y produjo cada vez la correspondiente parte de la pintura. Repitió el procedimiento hasta que el cuadro estuvo terminado. Con esto, aclaran los curadores de la exposición, “el artista vio una posibilidad de democratizar los materiales y herramientas y de revelar de manera crítica el papel ‘autoritario’ del artista respecto al objeto”.

A Camnitzer le interesa el arte no para producir objetos, sino para despertar una conciencia crítica. Trabaja con ideas y le importan más los procesos que los resultados. Esa convicción sobre su oficio fue el resultado de un largo camino y de varias crisis. Hijo de padres alemanes, nació en Lübeck pero, cuando tenía un año de edad, sus padres emigraron a Montevideo, donde creció. ¿Qué tanto de uruguayo tiene? “Soy muy uruguayo”, responde. ¿Qué tanto de alemán tiene? Cuando hace unos años expuso en Kunsthalle de Kiel y lo presentaron como “el hijo pródigo” que regresaba a su país, dijo: “Mi única vinculación con Lübeck, que sería mi ciudad natal, es que me gusta el mazapán. Pero ese gusto no lo puedo atribuir a que nací en Lübeck”. Se siente “un uruguayo en el exilio” y un latinoamericano porque para él Latinoamérica es una obra conceptual: “No existe realmente, es una construcción mental. Pero hay elementos que la unifican, que igual le dan presencia y nos dan una cierta identidad. El más fuerte es el sentido de periferia, todavía. El otro es el idioma y otro más -hasta cierto punto- es la religión, pues aún, si estadísticamente el catolicismo está en receso, hay elementos en la cultura que lo mantienen”. A los 27 años se trasladó a Nueva York, donde vive y trabaja actualmente. Luego de experimentar con la escultura y el grabado -y de trasegar por la escuela expresionista- descubrió que ya no estaba corriendo riesgos al realizar sus obras: “Grabar equivalía a tejer y, en lugar de un suéter, al final resultaba una imagen predecible”. Se dio cuenta de que se estaba definiendo a través de una técnica y no a través de un concepto: “En ese momento le di vuelta a la cosa: soy un artista que hace grabado, no un grabador que hace arte. Aquello fue en 1964. Fue la clave. Seguí haciendo grabado hasta cierto punto, pero no era lo más importante: lo importante era lo que generaba”. Se dedicó a los grabados gigantes en madera, lo nombraron miembro honorario de la Academia de Florencia, quedó de segundo en un premio importante y vendió uno de sus grabados. Ante la perspectiva de un futuro seguro y poco interesante, abandonó todo y entró en una crisis de la cual salió gracias a la obra This is a Mirror. You Are a Written Sentence (Esto es un espejo. Usted es una frase escrita), de 1966, su primer gran trabajo conceptual que puede apreciarse en la exposición del Museo de la Nacional.

La comercialización del arte y del artista es otro tema recurrente que puede apreciarse en esta exposición. En la obra Firma por pulgada vemos la insólita venta de su firma según el largo por pulgada. En otras, es por centímetro o tajadas. En Plusvalía, en una caja de madera hay un guante de lana, que el artista adquirió por 150 pesos, y un documento -una carta de colegas colombianos prestigiosos- en el que el uso del guante por cada uno de ellos incrementa el valor de la obra en un precio determinado hasta llegar a 209.834 dólares. Luis Camnitzer concibe la cultura como una empresa anónima y sin afán de lucro. Su arte paródico apela siempre a la complicidad del espectador: “A mí no me gusta la imposición. No me gusta obligar al público a ver algo… Me interesa que mis obras evoquen la mayor cantidad de cosas posibles en varios niveles, como una cebolla que uno va pelando”. Y aspira a un arte sin artistas: “En otras palabras, yo seré un buen artista si logro que no sea necesario que yo haga arte, es decir, que yo sea prescindible. En ese momento, todo el mundo hará arte, creará su orden, el poder estará repartido equitativamente y la palabra arte dejará de tener sentido”. Una propuesta -él es el primero en reconocerlo- que no es fácil de llevar a la práctica.

Atlanta Printmakers Studio

Posted: April 15, 2012 in Art, Atlanta


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The studio provides capabilities for intaglio, monotype, woodcut, linocut, letterpress, screen print, papermaking, book arts and various mixed media techniques.

Equipment includes:
•Charles Brand Etching Press 30×50
•Vandercook 215
•Vandercook SP15
•Chandler & Price Old Style platen presses, 8×12 and 10×15
•Metal letterpress type
•Assorted hand rollers & brayers
•Screen exposure unit & vacuum frame
•Karcher power sprayer
•Assorted screens and squeegees
•Papermaking vats & hydraulic press
•Paper moulds & deckles
•Bookbinding sewing frames & book press
•Large drying rack
•Flat files
•Large work tables

Limited Access Studio Hours:
Tuesdays 10a-4p
Thursdays 10a-9:30p
Saturdays 10a-4p
Sundays 10a-4p
Studio is closed on the following Holidays:
New Years Day
July 4th
Christmas Eve

Studio Rental

Two levels of rental are available for artists to work in the studio:Key Holder and Limited Access. Details below.

All renters must submit written application with a deposit, have an interview, show work samples, and attend a studio orientation before working in the studio, so please allow sufficient time for this process before you plan to start.

March 31, 2012 at 2:00pm

Email Kathy Garrou to sign up for a studio orientation.

 Download PDF Rental Application/Agreement

Key Holders:
These renters work independently and have their own key to the studio. Key Holders must be APS members, give a $100 refundable security deposit, and commit to a 3, 6 or 12 month agreement. (Working key holders receive a discount for serving as studio monitors and regularly maintaining the studio. They must exhibit a well rounded knowledge of printmaking.)

Benefits: 24/7 access to the studio, plus personal storage space in the studio

12 Month Commitment:
$75/month (working)

6 Month Commitment: 
$80/month (working)

3 Month Commitment: 

Limited Access Renters:
These renters work independently during studio hours when a studio monitor is present. Security deposit is $50.

6 Month Commitment:
$60/month (APS members)

Monthly Rental:
$70/month (APS members)

Daily Rental:
$30/day (APS members)

Andy Warhol: Self-portrait

Posted: April 1, 2012 in Art